Triest

In der Malerei von Consuelo Rodriguez verbindet sie Quarzstaub, Sand, Eisenoxid, Gold, Lava und Textilien mit Farbe: In einer Alchemie von Materialien und Gesten gibt sie ihren inneren Visionen Form und Leben. In ihren Arbeiten erscheinen die Darstellungen weiblicher und gelegentlich männlicher Körper aus den Tiefen einer fernen, aber stark präsenten Erinnerung, im Wechsel verschiedener Suggestionen, in denen das Begehren, die Hoffnung, die Schmerzhaftigkeit der eigenen Akzeptanz von Gefühlen durchdrungen sind. Nun präsentiert Consuelo Rodriguez, Malerin, Bildhauerin und Dichterin aus Triest, in Erwartung eines Stipendiums, das sie nach Peking führt, eine neue Werkreihe in der Ausstellung "Le vesti dell'anima: the space between...", die heute Abend um 18.30 Uhr in der Lux Art Gallery in der Via Rittmeyer eröffnet wird, mit einer Präsentation durch Darius Bork, Direktor des Freien Museums in Berlin.

Rodriguez absolvierte eine Ausbildung an der Scuola Libera di Figura bei dem Meister Nino Perizi in Triest und vertiefte dann ihre Kenntnisse an der School of Visual Arts in New York sowie an der Kunstakademie Salzburg bei der spanischen hyperrealistischen Künstlerin I. Quintailla und dem Wiener Aktionisten H. Nitsch. In Chicago hatte Rodriguez die Möglichkeit bei den Zhou Brothers mit ihrer Arbeit an großen Formaten zu arbeiten.

In der Ausstellung, die heute eröffnet wird, präsentieren sich die großformatigen Werke mit einer starken neuen Ausdruckskraft: Eine Reihe von schwarzen Leinwänden ist die Einführung in das, was dann kommt. Die Zerlegung, das Ausradieren der Körper, um stattdessen auf das Gewand zu verweisen: ein Gewand, das sich wiederum auf die Seele bezieht. Das helle Licht kehrt zurück, das Weiss bereits Protagonist vieler ihrer Werke, gemischt mit Stoffen, Netzen, verschiedenen farbigen Materialien, um etwas Unsichtbarem und Schwerem Plastizität und Tiefe zu verleihen: "In diesen letzten Arbeiten hat sich mein Interesse auf die menschliche Essenz, auf die Seele verlagert. Ich wollte ihre Unsichtbarkeit, aber auch ihre Farbe, Bewegung, Vielfalt mit dem Motiv des Gewandes ausdrücken - sagt Consuelo Rodriguez - "Der Raum dazwischen....", wie der Titel der Ausstellung lautet, soll darauf hinweisen, dass der undefinierbare Raum in uns, so grundlegend ist wie die Stille zwischen zwei Noten, die Leben gibt und das Werk einzigartig macht, in diesem Fall den Menschen. 

Begleitet werden die Arbeiten von Versen aus " Tatoo ", der neuen Gedichtsammlung der Künstlerin, die bei der Finissage am Montag, den 9. Januar, vorgestellt wird.

Franca Marri

Die Künstlerin Consuelo Rodriguez lernte ich vor ca. 2 Jahren kennen.

Wir waren beide zu einem Trüffel- und Steinpilz-Essen bei unseren gemeinsamen Freund und Galeristen Giorgio Parovel in Stridone eingeladen und hatten sofort eine sehr gute Verbindung.

Sie ist ein extrem lebensfroher und positiver Mensch. Ihre spanischen Wurzeln werden einerseits durch ihr leidenschaftliches Temperament immer wieder sichtbar, andererseits ist sie aber auch durch und durch Italienerin, elegant und nobel.

Diese Mischung ihrer Persönlichkeit findet sich auch in Ihrer Kunst wieder.

In früheren Arbeiten sieht man sehr deutlich die Wildheit im Umgang mit Farbe und Pinselführung, aber auch das Feinsinnige und Edle in der Linienführung von Gesichtern.

Ersteres lässt mich an den spanischen Künstler und Zeitgenossen Menendez-Rojas denken, letzteres eher an den Italiener Modigliani, der mit Sicherheit zu den großen Vorbildern von Rodriguez gehört.

Aber ich schreibe hier nicht um Vergleiche in der Kunstgeschichte zu ziehen oder Rodriguez’ Arbeiten in eine Schublade zu stecken.

Rodriguez’ Figuren waren in der Vergangenheit immer durch eher barocke Körperformen und erdige Farbtöne geprägt. In ihren aktuellen Werken wird sie abstrakter, reduzierter…man könnte auch sagen konzentrierter auf das Wesentliche - Form, Farbe und Komposition. Hinzu kommt das Element der Stofflichkeit. Auch in früheren Werken hat sie immer schon eine gewisse Dreidimensionalität einfließen lassen. In ihren neuen Arbeiten aus diesem Jahr geht sie noch weiter und verarbeitet Stoffe, fast wie bei einer Collage und erreicht so eine ganz neue Dimension der Tiefe.

Dennoch bleiben die Bilder abstrakt und die Körperformen sind nur noch zu erahnen, was meiner Ansicht nach eine wichtige künstlerische Entwicklung darstellt.

Ich denke die neuen Bilder von Rodriguez sind eher mit Solitären zu vergleichen und werden auch als solche in der Ausstellung präsentiert.

Reduktion statt Fülle, Konzentration statt Zerstreuung… die Klarheit  des Ausdrucks und der damit verbundene Freiraum geben dem Betrachter die Möglichkeit eigener Interpretationen, weshalb Rodriguez bei dieser Ausstellung auch ganz bewusst auf Titel verzichtet.

Die Bilder werden in textlicher Form lediglich von einigen Schriften ihres neuen Gedichtbandes TATTOO in der Ausstellung begleitet und geben dem Besucher so die Möglichkeit tiefer in die Welt der Künstlerin einzutauchen.

Darius Bork

Kurator der Ausstellung

Die Malerei von Consuelo Rodriguez ist Teil eines " Offenen Weges", in dem die Farbe - weitgehend verzerrt durch die Kontur der Holzkohle - versucht, eine Antwort auf die Fluten der Körper und Glieder zu geben. Wir finden dies in all ihren Werken wieder. 

Fast immer öffnen sich die Leinwände der Künstlerin zu einer interessanten synthetischen Lösung monochromer Farbe. Tatsächlich ist jedes ihrer Werke von einem tonalen Monochrom eines skalaren Typs geprägt, der sie charakterisiert: SOGNO CONCRETO (2013) mit verbrannten Erden; NON SENZA DI TE (2013) mit Violett; ANIME IN COLORE (2013) mit Quarzpulvern, die Ocker und Orange verherrlichen; INSIEME NOI (2013) mit einem gewaltigen Spiel aus heftigen und verschleierten Rottönen. 

Ihre künstlerische Recherche in Ihrer aktuellen Arbeit besteht in der Abkehr von der üblichen Sichtweise und Umsetzung in der Figuration. Sie genießt den experimentellen Umgang mit "beliebigen Körpern“.

Durch die Entmaterialisierung des Körpers gelangt die Künstlerin in zwei Phasen des Lernens und der Spurensuche, in denen sie eine Darstellbarkeit findet, die eine Dichotomie zwischen den Synthesen findet: "postkonstruktivistisch" (Einfachheit der Form) und "posthumanistisch" (Schauspieler- und Bühnenpositionen)". 

Ein zentrifugaler Kontortionismus, der zweifellos Feldwellen hervorruft, Rundheit, maskiert von der Idee, die physiognomischen Eigenschaften zu leeren, um Figuren, Geister, Körper zu erschaffen, die nur mit einer "sanft manierierten Geste" sprechen, lieben und hören; letztere ist meiner Meinung nach das Erbe einer Recherche über den "immateriellen Körper", die in der Kunstgeschichte des zwanzigsten Jahrhunderts mit zwei wichtigen Persönlichkeiten begann: Egon Schiele (1890-1918) mit dem Schiele-Stil; Oskar Kokoschka (1886-1980) mit seiner kompositorischen Lyrik.  

Schließlich negiert Rodriguez das Gesicht und seine somatischen Züge: es entsteht eine "Hierarchie der profanen Engel", die in verschiedenen Zeiten leben, sich überschneidende Dimensionen; alles Elemente, die über die allgemein anerkannte heilige Ikonographie hinausgehen. 

Ihre Bildsprache ist ein Ritual, mit dem die Künstlerin die Venus von Willendorf sowie andere engelhafte und dionysische Gestalten durch die Erforschung der anthropomorphen Abstraktion wieder zu beleben scheint; all dies, um die Kämpfe des Lebens auszudrücken, die der Mensch zwischen Gut und Böse teilt: die kathartische Funktion von Freude und Leid. 

Gabriele Romeo 

Venedig, 26. März 2016

Einige Künstler haben die Gabe, sich sowohl mit dem geschriebenen Wort wie auch mit dem Pinsel ausdrücken zu können und ihre Gedanken durch Texte und Bilder zu visualisieren. Consuelo Rodriguez ist solch eine Künstlerin. Sie ist sich bewußt, daß Worte wichtig sind, um eine Botschaft zu vermitteln, aber es sind gerade Bilder, die zu den Augen sprechen und direkt zum Gefühl führen. Einerseits ist sie ist sehr zart und "romantisch" in ihren Gedichten, andererseits stark, prägnant und instinktiv in ihren Bildern. Unter dem Titel "Nicht ohne Dich" präsentiert Rodriguez einen Rückblick, in dem sie etwa dreißig Kunstwerke der letzten Jahre ausgewählt hat, die Einblicke bieten, Fenster zur inneren Welt, visuelle Erzählungen zur Reflexion über das Dasein und die Relevanz von Begegnungen. Die Wahl der Farbinstrumente (Sand, Eisen und Quarzsand, Vulkanstaub aus dem Ätna und verschiedene Acrylfarben und Pigmente) antizipiert bereits die expressive Sprache ihrer Malerei: stark, gestisch und prägnant durch den Spachtelauftrag verschiedener Farbschichten auf einer essentiellen Farbskala, die Rot, Ocker, grau und blau bevorzugt. Dargestellt werden immer Männer und Frauen ohne Konnotationen mit statuenhafter Plastizität, die im Feld der Leinwand schweben, als wollten sie die Grenze überschreiten: Die Figuren werden durch die Farben umrissen, und das scheinbare Fehlen einer Skizze verleiht jene traumhafte Atmosphäre, die die Erkennbarkeit den subtilen emotionalen Anspielungen anvertraut, die aus der lyrischen Inspiration der Künstlerin entstehen. Die Linie wirkt immer melodisch, auch wenn Rodriguez manchmal mit Kreidekonturen in ihre Sujets eingreift, um die emotionale Intensität hervorzuheben. Niemals wird auf Objekte verwiesen, die an den Alltag erinnern können: Die Szene wird ausschließlich Körpern anvertraut, die sich schwerelos in einem zeitlosen Raum bewegen, mit einer Vitalität, die in einer perfekten Komposition der Flächen und in einer klugen Dosierung von Hell und Dunkel zu einem anregenden Spiel wird. Die Aufmerksamkeit der Künstlerin richtet sich nicht auf Details, geschweige denn auf Wahrhaftigkeit: Sie konzentriert sich auf die malerische Geste selbst, auf das Eindringen in die Leinwand auf der Suche nach Erinnerungen, das Ausbalancieren von Suggestion und Erzählung, das sich im Zeichenrhythmus offenbart, der Figuren aus dem Hintergrund erzeugt und Gestalt annimmt um sich selbst in Frage zu stellen.

In einer Gesellschaft (der so genannten Moderne), die sich auf einem Kollisionskurs befindet, weil sie auf der verzerrten Anwendung von Rationalität basiert, transformiert Consuelo Rodriguez den Gedanken in eine malerische Geste, indem sie Traumbilder schafft, Reflexions-Projektionen, Eindrücke der Teilhabe, die die Horizontlinie vorwärts bewegen, Subjekt und Objekt sowie Denken und Handeln trennen:

Sie erkennt im Mysterium und in der Sinnlichkeit die Rolle der zuverlässigen Wegzehrung, um sich dem gewundenen Weg der Sensibilität zu stellen, indem sie neue Türen erforscht, die sich auf innere Welten und verschiedene Pfade öffnen, die zur Begegnung zwischen Seelen führen, die Oberflächlichkeit und Trivialisierung ablehnen. Natürlich erscheint Rodriguez beunruhigt, teils auf intellektueller, teils auf emotionaler Ebene, aber ihre Kunst erweckt die Darstellungen der Körper, die zu einem Traum werden, wieder zum Leben, wo sich die Seele vom Physischen zu lösen scheint, indem sie die Möglichkeit vorstellt, dass es dieses "Doppel" gibt, dieses Doppelte von uns, das ein anderes Leben führt als das des Körpers, und uns daran erinnert, dass es unmöglich ist, die Welt in Subjekte und Objekte zu zerlegen, so wie es unmöglich scheint, zu deterministischen Beschreibungen der Sensibilität zu gelangen. In den letzten Monaten, nach einer Reise nach Deutschland, fügt Rodriguez Gold zu ihrer klassischen Palette hinzu und kehrt die Proportion ihrer Werke um, die die vertikale Präferenz für den horizontalen Ansatz aufgeben: eine zusätzliche Öffnung, eine erweiterte Sichtweise (unterstrichen durch rote Stränge) mit neuen Ebenen des Bruchs mit Einschränkungen, welche ihren Lebenserfahrungen eine Vision gibt, wo die Spannung zwischen Sein und Dasein zu einem Treffpunkt, aber auch zu einem Konflikt zwischen zwei Polen wird. Zeichen und Kolorit, die schöpferische Ausdruckskraft bleibt ein Treffpunkt zwischen den Seelen, ein innerer Weg, der von metamorpher Weiblichkeit ausgeht und frei ist in der Anerkennung von Liebe und Liebenden, von spirituellen Boten und Meistern des Lebens, manchmal bezaubernd, manchmal streng, aber immer grundlegend, um dann  auszurufen -  Nicht ohne dich! - daher der Titel der Ausstellung. 

Franco Rosso 

Dezember 2013

Eine starke, dichte, leidenschaftliche Malerei ist das Prinzip ihrer Bildsprache.  

Schon in jungen Jahren begann eine innere Entdeckungsreise, die es Consuelo Rodríguez ermöglichte, eine Sprache des Denkens und Erlebens zu entwickeln, die das ruhige und meditierte geschriebene Wort mit den intuitiven Gesten der Malerei verbindet.
Die Farbe ist das unverwechselbare Zeichen ihrer Werke, die in übereinander liegenden Schichten verteilt sind, mit breitem Spachtel aufgetragen, mit einer Farbwahl, die allmählich von behaglichen Brauntönen zu Blautönen wie Himmelblau und dann zu Rosa übergehen, um zur Wärme und Sinnlichkeit von Rot zurückzukehren; diese Farbigkeit von beispielloser und tiefer Dichte verleiht Bildern wie La femme folle, 2007 oder Sensualità del diavolo, 2007 eine Bedeutung, die über das Sujet hinausgeht und uns in die Innenwelt von Consuelo Rodríguez versetzt. 

Consuelo bearbeitet die Leinwand, als wäre es ihre Gedächtnis, gräbt in die Tiefe ihres Egos, um die Wurzeln ihrer eigenen Emotionalität zu finden, auf der Suche nach Erinnerung. Auf diese Weise nehmen die Figuren aus diesen magmatischen und körperreichen Hintergründen kaum Form an, Erscheinungen aus einem anderen, nie vergessenen, ungewissen und rauchigen Umfeld auf den ersten Blick, aber immer deutlicher, wenn die Künstlerin direkt um sie herum mit schwarzer Holzkohle eingreift, um die Intensität der Emotionen noch mehr zu betonen.  

Es sind Momente der intimen Teilhabe, in denen die Figuren in einem schwebenden Augenblick festgehalten erscheinen auf das Urteil wartend (Conoscersi quanto, 2006; Il sospetto, 2007), oder Traumbilder und Wunschprojektionen wie bei Gli amanti, 2007, in denen das Gefühl der Verwicklung von Körper und Geist insgesamt noch mehr durch den spachtelhaften Auftrag von Karminrot unterstrichen wird. Männer und Frauen sind ohne Bedeutung, Boten einer imaginären Welt an der Grenze zwischen Leben und Tod, Überbringer universeller Botschaften auf der Grundlage tiefer Wahrheiten. 

Körper haben kein Gewicht, sie schweben in einem zeitlosen Raum, sie dehnen, drehen und leben.
Die Zeichen sind stark und manchmal heftig, aber die Bewegungen bleiben harmonisch, ruhig, als ob sich die Körper in einem Kontext ohne Schwerkraft bewegen würden. Es ist der Gedanke, der in einer malerischen Geste Gestalt annimmt. 

Wenn Consuelo Rodríguez dann den Kohleumriss von den Figuren entfernt und dem Gemälde erlaubt, ohne Grenzen und grafische Einschränkungen frei zu bleiben, dann gibt es den Wendepunkt, eine wichtige Veränderung, einen Schritt in Richtung bildlicher Reife.
Es ist das illusorische Spiel der Durchdringung der Ebenen, basierend auf einer starken und entscheidenden chromatischen Vision, die den neuen Kompositionen Dynamik und Bewegung verleiht, wie in Voluttà, 2007 oder Vento, 2007 oder La madre, 2007, das uns an einige Ansätze aus dem frühen 20. Jahrhundert erinnert und aus diesem Grund vielleicht das narrativste der in dieser Ausstellung gezeigten Bilder. 

In Fuga, 2007 ist vielleicht der Ankunftspunkt dieser neuen Phase in ihrer Malerei: die jetzt von allen Zwängen befreiten Körper scheinen in den Raum geworfen zu werden, ihre dynamische Ladung drängt sie aus den Grenzen der Leinwand, während der geschickte Einsatz von Licht und Dunkelheit der Komposition die richtige und ausgewogene Präsenz von vollen und leeren Räumen verleiht, der Körper der Frau, beleuchtet von dichten weißen Pinselstrichen, erscheint durch die Haut verformt, während der Mann in einer Schattenzone bleibt, scheinbar nach unten zu verschwinden, als eine Erinnerung, die immer weiter entfernt erscheint. Mehr braucht es nicht, jedes Element ist in Harmonie, nichts wird dem Zufall überlassen. Ein spannendes und faszinierendes Gemälde, das durch das geschickte Maß an Flächen, Massen und Licht besticht, das Consuelo Rodríguez erlaubt, die richtige bildnerische Balance zwischen Erzählung und Suggestion zu finden. 

Der Tanz/unser Tanz/zwischen Leben und Tod/wir so in der Balance/zwischen Gefängnissen aus Eis und feurigen Toren..... 

So werden einige Verse eines neuen Gedichts, die gleichzeitig mit den letzten malerischen Arbeiten geboren wurden, zum Siegel der unauflöslichen Verbindung zwischen Denken und Handeln.  

Federica Luser

September 2007