Körper und Seele in den Gemälden von Consuelo Rodriguez

Die Bilder ihrer Frauen sind kraftvoll, durch essentielle Formen und Volumen wiedergegeben,

aber voller Substanz und Bedeutung, nicht allzu verschieden von den männlichen,

die hier und da, im Vordergrund oder Hintergrund, in ihren Werken erscheinen. Der Körper einer Frau,

die Farbe der Erde, die Farbe der Luft, die Farbe des Schmerzes und der Leidenschaft, vereint stets die Vorstellung

des Fleisches mit der Vorstellung ihrer Seele. Der Körper eines Mannes, gleich oder andersfarbig,

ist fast immer der Körper eines anderen.

Die von Consuelo Rodriguez gemalten Körper sind Körper, die sich auf die Welt beziehen, die sich auf den Anderen beziehen. Gesichtslos, nicht übermäßig definiert, ermöglichen sie es dem Betrachter, sich selbst

in ihnen wiederzuerkennen, in ihnen gelebte Situationen, erlebte Empfindungen, etwas Eigenes, ob gegenwärtig oder vergangen, zu lesen.

Das Werk, das der Ausstellung ihren Titel gibt, gehört zu ihren jüngsten Arbeiten: Wie die Künstlerin selbst erklärt, entstand es im Sommer 2023 in Deutschland während eines Studienaufenthalts bei Professor Marcus Lüpertz. Es ist Teil einer Reihe früherer Arbeiten, die sich mit der Natur und Komplexität verschiedener zwischenmenschlicher Bindungen befassen und mit der Betonung und Bedeutung der Wörter „legàmi“, „lègami“ und „slegami“ spielen, von denen sich der Titel ableitet. Dualismus, Mehrdeutigkeit, die Widersprüchlichkeit von Gefühlen, Körper, die sich wie Baumwurzeln ineinander verflechten und daraus Kraft schöpfen, gleichzeitig aber ineinander gefangen bleiben und ihre Autonomie und Bewegungsfreiheit gefährden, bilden die Hauptthemen dieser Ausstellung. Sie untersucht Begegnungen, die zum Konflikt werden können, Verlangen, das zu Besitz wird, Liebe, die zu Leid wird.

Um dieses Werk herum hat die Künstlerin einige ihrer bedeutendsten Gemälde der letzten zwanzig Jahre versammelt.

Trotz unterschiedlicher Technik und Tonalität

verbinden sie sich auf unterschiedliche Weise miteinander und bilden eine Art großen Fries,

der die Möglichkeit bietet, weibliche Identität und das Sein in der Welt weiter zu erforschen.

Die Verwendung von Sand, Quarz, Bitumen und gelegentlich Gaze und Papier in den Gemälden

trägt zu einer Dialektik zwischen der Fließfähigkeit der Pinselstriche in reiner Farbe und der Dichte des mit dem Spachtel aufgetragenen Materials bei. Es scheint, als würde dem Betrachter ein taktiles Gefühl vermittelt, das das rein visuelle ergänzt und suggeriert, dass etwas Greifbares zu etwas Ungreifbarem hinzugefügt wird. In manchen Fällen wird Sand dem Bitumen gegenübergestellt,

wie Idee und Realität, „Essenz“ und „Form“. In anderen Fällen ersetzt ein Kleidungsstück den Körper, doch es ist

ein „Gewand der Seele“, ein Kleidungsstück, das nicht bedeckt, sondern – nicht oberflächlich betrachtet – einen äußeren Aspekt, sondern einen inneren Aspekt, eine innere Dimension offenbart.

In letzter Zeit siegt die reine Malerei über die Materie, und alles wird leichter, noch heller,

fast flüchtig, fast in einer wiederentdeckten Harmonie zwischen Seele und Körper, zwischen Selbst und Anderem, zwischen Selbst und der Welt.

Franca Marri

„s/legami“ ist Consuelo Rodriguez‘ neues Werk. Aufbauend auf früheren und preisgekrönten Arbeiten der letzten Jahre hat sie eine neue Sprache für die Auseinandersetzung mit dem Thema Beziehungen entwickelt: romantische, freundschaftliche, familiäre oder berufliche Beziehungen. Die Künstlerin untersucht analytisch und künstlerisch Liebesbeziehungen und die tiefgreifenden Verzerrungen, die manchmal in ihnen auftreten und sich in schmerzhafte Formen von Macht, Anfällen, Manipulationen und strafendem Schweigen verwandeln können, die sogar zu intensiven Konflikten führen können. Sie geht dies nicht durch Psychoanalyse an, sondern durch einen rein künstlerischen Ansatz, der auf zahlreichen persönlichen Studien zu diesem Thema sowie auf den Erfahrungen anderer und ihren eigenen basiert, die sie im Laufe ihres intensiven Lebens als Frau und Künstlerin gesammelt hat. Obwohl jedes der ausgestellten Werke aufgrund seiner technischen und inhaltlichen Vielfalt vom Betrachter als Unikat betrachtet werden muss, ist es unweigerlich mit den anderen verbunden. Gleichzeitig wird es jedoch immer durch eine Trennung unterbrochen, eine Art Störung der Harmonie, die dem Betrachter sowohl eine romantische Dimension als auch ein dämmriges Gefühl vermittelt.

Die Präsenz des ersten Gemäldes mit dem Titel „s/legami“ wird als Bindeglied dienen, das sich durch die gesamte Ausstellung zieht und zeigt, wie jedes Werk eine Verbindung, eine Reflexion oder eine Ablehnung beim Betrachter hervorrufen kann und ihn im letzteren Fall zum nächsten Werk führt, auch wenn es nicht ganz dazu gehört.

Auf diese Weise wird der Betrachter dazu eingeladen, sich selbst zu hinterfragen und zu beobachten, sowohl in seiner eigenen Gestik als auch in seiner Individualität, angesichts einzelner Werke, die ihn je nach seinen persönlichen Projektionen und/oder Interpretationen anziehen oder abstoßen können. Der Betrachter wird daher aufgefordert, sich mit der Einzigartigkeit des Werks auseinanderzusetzen, damit es eine Reise in sein Inneres anstoßen kann. Jedes Kunstwerk kann einerseits den Betrachter verbinden, ihn andererseits aber auch dazu auffordern, sich während seiner Annäherung von anderen zu lösen. Der Künstler seinerseits setzt sich während und nach der Entstehung des Werks mit ihm auseinander und hebt persönliche Licht- und Schattenseiten in einem fortwährenden Dialog zwischen ihm und dem Gemälde hervor, der oft zu einem stillen und schmerzhaften Bekenntnis wird. Darstellungen von Frauen und Männern werden so zu Vermittlern, die eine Art Begegnung suchen, obwohl sie dazu bestimmt sind, getrennt zu bleiben. In dieser Ausstellung möchte der Künstler die besten Werke seiner Karriere zusammenführen, nicht konsolidieren, in einer mehrsprachigen Kommunikation, die letztlich eine universelle Sprache findet, die aus vielen Fragen besteht, in einem Spiegelspiel, das sich ständig erneuert, erkennt und zerbricht, nur um sich dann in etwas anderes umzuformen, wie eine Art ewige Wiederkehr.

Francesca Schillaci

Malerei und Poesie, Aktion und Gedanke. Diese Charakteristika von Consuelo Rodriguez’ künstlerischer Persönlichkeit verlaufen parallel und bringen zwei unterschiedliche Bedürfnisse zum Ausdruck: Aktion und meditative Ruhe. So wie Ruhe, Reflexion und ein langsames Tempo ihre Poesie prägen, ist ihre Malerei kraftvoll, dicht und gequält, von Dringlichkeit getrieben und durch Gesten ausgedrückt.

Consuelo Rodriguez verleiht jedem Gemälde eine zerstörerische Kraft, die sich in prägnanten Gesten ausdrückt, die ihren Abdruck in Farbe und Linie suchen. Überlappende Materialschichten erzeugen unterschiedliche Materialmassen, aus denen, unterstrichen von einem kraftvollen Pinselstrich, Körper hervortreten, die sich in einem zeitlosen Raum bewegen. Es sind Figuren von Männern und Frauen ohne jede individuelle Konnotation, flüchtige Erscheinungen eines Gedankens oder Traums. Figuren, die Energie und Bewegung sichtbar machen.

Ihre Malerei ist nicht leicht zu definieren: Sie oszilliert zwischen dem Informellen und dem Gestischen, ohne sich zwischen Abstraktem und Figurativem entscheiden zu wollen; vielmehr vermischt sie die von uns üblicherweise unterschiedenen Formen. Aus rauchigen, farbgefüllten Hintergründen, die sich über breite, kräftige Pinselstriche erstrecken, tauchen Körper auf, die Consuelo Rodriguez mit schnellen Kohlestrichen erkundet und definiert.

In ihren malerischen Experimenten aus den frühen 2000er Jahren – genauer gesagt aus dem Jahr 2004 – dient der Strich dazu, eine Verbindung zur Identität der Figuren herzustellen: Samurai, Hohepriesterin und Orientale verkörpern die tiefe Bedeutung ihrer Rollen. Es sind hieratische Figuren, die sich aus dem farbigen Hintergrund abheben und durch ihre charakteristischen Merkmale klar identifiziert sind. Es sind noch beschreibende Werke, ein Vorspiel zu den Lösungen, die bald zum Markenzeichen ihrer Malerei werden. Die Figuren werden von einem Kohleraster umrahmt, einer Art Cloisonnismus, der die Körper umreißt und definiert, sie einfängt und in Pose bringt. Die Farben sind kräftig und reichen von kühlen Grün- und Blautönen bis hin zu warmen Rot-, Orange- und Gelbtönen – kräftige, kräftige Farbtöne, die die Figur erhellen und im Hintergrund in dunklere Töne übergehen.

Was Consuelo Rodriguez' Kreativität antreibt, ist das Bedürfnis, die tiefen Wahrheiten der Existenz in ihrem Denken zu erforschen. „Mir geht es darum, die Verbindung zwischen kosmischer Harmonie und dem individuellen Prinzip zu finden“, sagt sie. „Ich suche sie in Malerei und Poesie. Ich durchlebe das Gefühl der Liebe“, das einzige Mittel, um das Theater des Lebens zu entwirren – ein Titel, den die Künstlerin dem reifen Zyklus von 2019–2020 gibt, auf den wir später noch eingehen werden.

Diesen Gedankengängen folgend, verlässt die Künstlerin allmählich das lineare Raster ihrer frühen Werke, um in Farbe, oft erdig, pigmentiert und materiell, einzutauchen; die Zeichnung löst sich auf, und die Form wird durch Massen konstruiert. Es ist ein allmählicher Prozess; das dichte und gewaltsame Zeichen bleibt in Lilibet und L'attesa (2004) erhalten, Leinwänden, in denen die Körper an die Muttergöttin erinnern, aus der alles stammt, während es bereits in Adele Bloch (2004), der Erinnerung an Klimt, verschwindet und Platz für die farbigen Massen macht. Die Gliedmaßen wirken unzusammenhängend, aus einzelnen Blöcken gebaut, mit einem klaren skulpturalen Bezug; die langgezogenen Hälse, fast wie Schwäne, verwirren und verweisen auf eine „primitive“ Bildsprache. Es folgen Werke wie „Conoscersi quanto?“ (2007), in dem zwei Figuren, ein Mann und eine Frau, auf zwei verschiedenen Ebenen platziert, existenzielle Fragen über sich selbst und ihre Beziehung zur Welt zu stellen scheinen. Oder „La femme folle“ (2007) und „La femme fatale“ (2008), zwei weibliche Figuren, die sich aus einem rauchigen Hintergrund materialisieren, stolz auf ihren sinnlichen Körper, dessen Geschmeidigkeit im ersten Fall durch leuchtende Akzente und im zweiten durch dichte rosa Pinselstriche unterstrichen wird.

Inzwischen hat die Konturlinie keine funktionale Funktion mehr für die Konstruktion der Figuren, sondern wird komplementär, zu einer einfachen Unterstreichung. Die gesamte Komposition ist nuancierter und flüchtiger, fast so, als wären die Figuren eine flüchtige, aber präsente Erinnerung in ihrem Kopf.

Die Leinwände der frühen 2010er Jahre erzählen von der Suche nach Identität und Beziehungen zu anderen. Titel wie „Finding Oneself“ (2010), „Meeting the Other“ (2010) und „Abandoning Oneself“ (2010) verdeutlichen bereits die vielfältigen menschlichen Zustände, die der Künstler darzustellen sucht. Daher scheinen wir in den weiblichen Figuren viele Selbstporträts zu erkennen, die verschiedene Lebensphasen des Künstlers widerspiegeln – Figuren, die sich nicht nur selbst hinterfragen, sondern sich auch danach sehnen, sich von auferlegten Kanonen zu lösen, um die als Ziel betrachtete Freiheit zu finden. Das große Gemälde „The Finish Line“ (2008) ist in diesem Sinne beispielhaft, auf dem die Körper zu rennen und sich einer imaginären Linie zu nähern scheinen. Hier sind die Pinselstriche noch schneller, und die Dynamik überwiegt die Starrheit, die die meisten Figuren bis dahin charakterisiert hatte.

Die Farbtöne sind seine Lieblingstöne, erdige Farben, die ein Spektrum von Siena über Ocker bis Braun abdecken, mit hellen Akzenten.

um dem weiblichen Körper im Vordergrund mehr Wirkung zu verleihen.

Man kann Consuelo Rodriguez nicht verstehen, ohne zu wissen, dass sie sich während ihrer gesamten Karriere stets um die poetische Erforschung menschlicher Emotionen bemüht hat und diese in jenen Körpern darstellt, die in engen Räumen umherirren. „Lightness of Being“ (2009), „Sinsuality“ (2008), „Finding Oneself“ (2010) und „Complicity“ (2012) sind einige Titel, die uns in die poetische Welt der Künstlerin einführen, die gleichzeitig über Liebe, Paare und Komplizenschaft schreibt.

Besonders interessant sind einige Werke aus dem Jahr 2014, „Il Che“, „Natura morta“ und „Dissolvenza“, die alle mit Weiß, Ocker und Schwarz spielen. Die Titel stehen in keinem Zusammenhang miteinander und zeigen, dass es sich um drei völlig autonome Werke handelt, vereint durch den Versuch, die gesamte Komposition auf einen bestimmten Raum, ein Quadrat, zu beschränken. Beim Betrachten der drei Gemälde scheint es, als würden Figuren und Objekte aus einem Marmor- oder Steinblock Gestalt annehmen und zum Leben erwachen, ganz nach dem Prinzip der Freiheit, das Consuelo Rodriguez in all ihren malerischen und poetischen Werken vertritt.

Wie in einem Versuch, sich mit ihrer Schwesterkunst, der Bildhauerei, auseinanderzusetzen, bearbeitet Consuelo Rodriguez, stets auf großformatigen Leinwänden, nach und nach die monumentalen Körper von Männern und Frauen, die den gesamten Bildraum einnehmen. Gesichter sind unverkennbar, ebenso wenig wie eine Spur von Identifikation. Alles entfaltet sich außerhalb eines bestimmten Raums und einer bestimmten Zeit. Die Komposition muss einen Geisteszustand vermitteln, sie muss emotional ansprechen, sie muss von Menschlichkeit sprechen.

Die Arbeit an solch großen Leinwänden erfordert erhebliche geistige und körperliche Anstrengung. Die mit Materie vermischten Pigmentschichten werden mit breiten Pinseln und Spachteln aufgetragen, mit schnellen, schwungvollen Bewegungen, die instinktiv der Energie folgen, die ihrem Bedürfnis entspringt, ihre Emotionen auf der Leinwand auszudrücken.

Ihre Geste ist instinktiv und wird nur durch die Verwendung verschiedener Materialien bestimmt, was sie zwingt, sich an bestimmte präzise Regeln zu halten: Die Verwendung von Sand und Quarzstaub ermöglicht es ihr, die Wahrnehmung des Magmas, aus dem die Körper entstehen, zu verstärken. Die Einbeziehung von Baumwoll- oder Gazestoffen im Jahr 2016 entfernt sie von der Figuration und bringt sie der Abstraktion näher: Nur das Material bietet einen Bezug zur Realität, in einer Komposition, in der der Körper nicht mehr präsent ist, sondern die Idee davon. Wir sprechen vom Zyklus „Die Gewänder der Seele: Der Raum dazwischen“. Es sind nachdenkliche und reife Werke, in denen die Gewänder lebendig zu werden scheinen, angetrieben von den dem Material innewohnenden Schwingungen. Die Wirkung ist einnehmend und bewegend.

Ein Wendepunkt kam zwischen 2019 und 2020, als Consuelo Rodriguez, die Farbe aufgab, wieder zum Bleistift griff und dieselben weiblichen und männlichen Körper vor weißem Hintergrund skizzierte. Hier wird Drama zu Stille und dumpfem Schmerz. Die Figuren sind kopflos, nur noch Körper. Sie sind Masken in einem Stück, die ein Theater des Lebens inszenieren. Letztendlich sind Gemälde, wie Mark Rothko sagte, „Theaterwerke“, und die Formen sind die Schauspieler und Schauspielerinnen. Neun mit Graphit nachgezeichnete Werke. Neun Figuren, unidentifizierbar bis auf ein Detail oder Amulett, das der Künstler den Leinwänden hinzufügt: einen Anhänger, einen Ring, einen Stock, eine Krawatte, Gegenstände/Symbole, die sie schützen, ihnen von außen Kraft geben, im Guten wie im Schlechten. Neun sitzende Figuren, von hinten, nach vorne blickend, mit verschränkten Armen, die seitlich oder hinter dem Kopf hängen. Männer und Frauen, die mit ihrem Leben beschäftigt sind.

Noch ein Sprung, und selbst das Zeichen verschwindet. Die Totalität des weißen Lichts löscht jede Verbindung zur Realität aus und bringt den Künstler näher an jenes Anderswo, das seine Figuren, Körper und Selbstporträts so verzweifelt gesucht und sich auf der Leinwand abgemüht haben. Jetzt erscheinen nur noch Wellen auf der weißen Leinwand, geschwungene Kurven, geformt durch die Mischung verschiedener Materialien: alte Laken, Leim und Gips. Die Serie trägt den Titel „Alchemic Soul“.

Diese Gipfel und Schluchten sind eine Metapher für unser Leben mit seinen Höhen und Tiefen, seinen Freuden und Sorgen; sie repräsentieren unsere Höhen und Tiefen. Anhand eines dieser Werke untersuchte und maß eine Gruppe von Ingenieuren unter der Leitung von Giuseppe Cautero vom Instrumentation and Detectors Lab der Elettra Sincrotrone die numerischen Beziehungen von Licht und Schatten, die sich aus der abwechslungsreichen Oberfläche ergaben. Anschließend entwickelte sie eine Software, die das Werk in akustische Emissionen übersetzt, die wiederum in Klänge der Seele übersetzt werden.

Consuelo Rodriguez demonstriert ihr Bedürfnis, die Figuration zu überschreiten, um eine Welt zu erreichen,

die sie als „minimal“ bezeichnet und die das Informelle mit Nachdruck annimmt.

„Ich wollte mich auf Konzepte wie das Überflüssige (das in unserer Gesellschaft so präsent ist) und das Wesentliche konzentrieren“, sagt er und erklärt dann den Prozess: „Zuerst habe ich Quarzpulver, Pigmente und farbige Acrylfarben verwendet, dann fließendes Wasser in drei verschiedenen Phasen. Der Wasserfluss bei unterschiedlichen Temperaturen auf der Leinwand verursacht Erosionen an den Formen und der Figuration. Wasser zum Entfernen, Reduzieren und Vereinfachen, um zu den Ursprüngen zurückzukehren,Zum Wesen des Lebens, auf der Suche nach der Heiligkeit des Kleinen/Vielen, auf der Suche nach den eigenen Orten der Seele.

In Luogo dell'anima 1, 2, 3 (2021) und Tierra 1, 2, 3, 4 (2022) suchen wir vergeblich nach Zeichen und Formen. Nur Farbe, die es ihr ermöglicht, sich ohne Zwischenhändler mit Luft, Himmel und Erde zu vereinen. Dies sind ihre neuesten Experimente.

Consuelo Rodriguez hat sich wieder dem Pigment zugewandt. Vielleicht wird ihr ihre nächste Erkundung ermöglichen, Frieden mit der Menschheit zu schließen? Werden ihre kurvenreichen und faszinierenden Figuren wieder auftauchen? Vielleicht durch Skulpturen?

Sicher ist, dass sie das Zeichen nie wirklich vergisst. Während ihrer gesamten malerischen Laufbahn hat Consuelo Rodriguez ihre kreativen Zyklen mit Serien von Bleistiftzeichnungen auf Papier begleitet. In einem Zug entstanden, besitzen sie die Frische einer gerade skizzierten Idee oder vielmehr der Monade, der ersten Einheit, aus der der Gedanke dann Gestalt annimmt. Und gerade deshalb betrachte ich sie gerne als fertige Werke, in denen wie in einem Kokon alle Elemente eingeschlossen sind, die die Künstlerin auf ihren Leinwänden interpretieren wird.

Federica Luser, 2023

Triest

In der Malerei von Consuelo Rodriguez verbindet sie Quarzstaub, Sand, Eisenoxid, Gold, Lava und Textilien mit Farbe: In einer Alchemie von Materialien und Gesten gibt sie ihren inneren Visionen Form und Leben. In ihren Arbeiten erscheinen die Darstellungen weiblicher und gelegentlich männlicher Körper aus den Tiefen einer fernen, aber stark präsenten Erinnerung, im Wechsel verschiedener Suggestionen, in denen das Begehren, die Hoffnung, die Schmerzhaftigkeit der eigenen Akzeptanz von Gefühlen durchdrungen sind. Nun präsentiert Consuelo Rodriguez, Malerin, Bildhauerin und Dichterin aus Triest, in Erwartung eines Stipendiums, das sie nach Peking führt, eine neue Werkreihe in der Ausstellung "Le vesti dell'anima: the space between...", die heute Abend um 18.30 Uhr in der Lux Art Gallery in der Via Rittmeyer eröffnet wird, mit einer Präsentation durch Darius Bork, Direktor des Freien Museums in Berlin.

Rodriguez absolvierte eine Ausbildung an der Scuola Libera di Figura bei dem Meister Nino Perizi in Triest und vertiefte dann ihre Kenntnisse an der School of Visual Arts in New York sowie an der Kunstakademie Salzburg bei der spanischen hyperrealistischen Künstlerin I. Quintailla und dem Wiener Aktionisten H. Nitsch. In Chicago hatte Rodriguez die Möglichkeit bei den Zhou Brothers mit ihrer Arbeit an großen Formaten zu arbeiten.

In der Ausstellung, die heute eröffnet wird, präsentieren sich die großformatigen Werke mit einer starken neuen Ausdruckskraft: Eine Reihe von schwarzen Leinwänden ist die Einführung in das, was dann kommt. Die Zerlegung, das Ausradieren der Körper, um stattdessen auf das Gewand zu verweisen: ein Gewand, das sich wiederum auf die Seele bezieht. Das helle Licht kehrt zurück, das Weiss bereits Protagonist vieler ihrer Werke, gemischt mit Stoffen, Netzen, verschiedenen farbigen Materialien, um etwas Unsichtbarem und Schwerem Plastizität und Tiefe zu verleihen: "In diesen letzten Arbeiten hat sich mein Interesse auf die menschliche Essenz, auf die Seele verlagert. Ich wollte ihre Unsichtbarkeit, aber auch ihre Farbe, Bewegung, Vielfalt mit dem Motiv des Gewandes ausdrücken - sagt Consuelo Rodriguez - "Der Raum dazwischen....", wie der Titel der Ausstellung lautet, soll darauf hinweisen, dass der undefinierbare Raum in uns, so grundlegend ist wie die Stille zwischen zwei Noten, die Leben gibt und das Werk einzigartig macht, in diesem Fall den Menschen. 

Begleitet werden die Arbeiten von Versen aus " Tatoo ", der neuen Gedichtsammlung der Künstlerin, die bei der Finissage am Montag, den 9. Januar, vorgestellt wird.

Franca Marri

Die Künstlerin Consuelo Rodriguez lernte ich vor ca. 2 Jahren kennen.

Wir waren beide zu einem Trüffel- und Steinpilz-Essen bei unseren gemeinsamen Freund und Galeristen Giorgio Parovel in Stridone eingeladen und hatten sofort eine sehr gute Verbindung.

Sie ist ein extrem lebensfroher und positiver Mensch. Ihre spanischen Wurzeln werden einerseits durch ihr leidenschaftliches Temperament immer wieder sichtbar, andererseits ist sie aber auch durch und durch Italienerin, elegant und nobel.

Diese Mischung ihrer Persönlichkeit findet sich auch in Ihrer Kunst wieder.

In früheren Arbeiten sieht man sehr deutlich die Wildheit im Umgang mit Farbe und Pinselführung, aber auch das Feinsinnige und Edle in der Linienführung von Gesichtern.

Ersteres lässt mich an den spanischen Künstler und Zeitgenossen Menendez-Rojas denken, letzteres eher an den Italiener Modigliani, der mit Sicherheit zu den großen Vorbildern von Rodriguez gehört.

Aber ich schreibe hier nicht um Vergleiche in der Kunstgeschichte zu ziehen oder Rodriguez’ Arbeiten in eine Schublade zu stecken.

Rodriguez’ Figuren waren in der Vergangenheit immer durch eher barocke Körperformen und erdige Farbtöne geprägt. In ihren aktuellen Werken wird sie abstrakter, reduzierter…man könnte auch sagen konzentrierter auf das Wesentliche - Form, Farbe und Komposition. Hinzu kommt das Element der Stofflichkeit. Auch in früheren Werken hat sie immer schon eine gewisse Dreidimensionalität einfließen lassen. In ihren neuen Arbeiten aus diesem Jahr geht sie noch weiter und verarbeitet Stoffe, fast wie bei einer Collage und erreicht so eine ganz neue Dimension der Tiefe.

Dennoch bleiben die Bilder abstrakt und die Körperformen sind nur noch zu erahnen, was meiner Ansicht nach eine wichtige künstlerische Entwicklung darstellt.

Ich denke die neuen Bilder von Rodriguez sind eher mit Solitären zu vergleichen und werden auch als solche in der Ausstellung präsentiert.

Reduktion statt Fülle, Konzentration statt Zerstreuung… die Klarheit  des Ausdrucks und der damit verbundene Freiraum geben dem Betrachter die Möglichkeit eigener Interpretationen, weshalb Rodriguez bei dieser Ausstellung auch ganz bewusst auf Titel verzichtet.

Die Bilder werden in textlicher Form lediglich von einigen Schriften ihres neuen Gedichtbandes TATTOO in der Ausstellung begleitet und geben dem Besucher so die Möglichkeit tiefer in die Welt der Künstlerin einzutauchen.

Darius Bork

Kurator der Ausstellung

Die Malerei von Consuelo Rodriguez ist Teil eines " Offenen Weges", in dem die Farbe - weitgehend verzerrt durch die Kontur der Holzkohle - versucht, eine Antwort auf die Fluten der Körper und Glieder zu geben. Wir finden dies in all ihren Werken wieder. 

Fast immer öffnen sich die Leinwände der Künstlerin zu einer interessanten synthetischen Lösung monochromer Farbe. Tatsächlich ist jedes ihrer Werke von einem tonalen Monochrom eines skalaren Typs geprägt, der sie charakterisiert: SOGNO CONCRETO (2013) mit verbrannten Erden; NON SENZA DI TE (2013) mit Violett; ANIME IN COLORE (2013) mit Quarzpulvern, die Ocker und Orange verherrlichen; INSIEME NOI (2013) mit einem gewaltigen Spiel aus heftigen und verschleierten Rottönen. 

Ihre künstlerische Recherche in Ihrer aktuellen Arbeit besteht in der Abkehr von der üblichen Sichtweise und Umsetzung in der Figuration. Sie genießt den experimentellen Umgang mit "beliebigen Körpern“.

Durch die Entmaterialisierung des Körpers gelangt die Künstlerin in zwei Phasen des Lernens und der Spurensuche, in denen sie eine Darstellbarkeit findet, die eine Dichotomie zwischen den Synthesen findet: "postkonstruktivistisch" (Einfachheit der Form) und "posthumanistisch" (Schauspieler- und Bühnenpositionen)". 

Ein zentrifugaler Kontortionismus, der zweifellos Feldwellen hervorruft, Rundheit, maskiert von der Idee, die physiognomischen Eigenschaften zu leeren, um Figuren, Geister, Körper zu erschaffen, die nur mit einer "sanft manierierten Geste" sprechen, lieben und hören; letztere ist meiner Meinung nach das Erbe einer Recherche über den "immateriellen Körper", die in der Kunstgeschichte des zwanzigsten Jahrhunderts mit zwei wichtigen Persönlichkeiten begann: Egon Schiele (1890-1918) mit dem Schiele-Stil; Oskar Kokoschka (1886-1980) mit seiner kompositorischen Lyrik.  

Schließlich negiert Rodriguez das Gesicht und seine somatischen Züge: es entsteht eine "Hierarchie der profanen Engel", die in verschiedenen Zeiten leben, sich überschneidende Dimensionen; alles Elemente, die über die allgemein anerkannte heilige Ikonographie hinausgehen. 

Ihre Bildsprache ist ein Ritual, mit dem die Künstlerin die Venus von Willendorf sowie andere engelhafte und dionysische Gestalten durch die Erforschung der anthropomorphen Abstraktion wieder zu beleben scheint; all dies, um die Kämpfe des Lebens auszudrücken, die der Mensch zwischen Gut und Böse teilt: die kathartische Funktion von Freude und Leid. 

Gabriele Romeo 

Venedig, 26. März 2016

Einige Künstler haben die Gabe, sich sowohl mit dem geschriebenen Wort wie auch mit dem Pinsel ausdrücken zu können und ihre Gedanken durch Texte und Bilder zu visualisieren. Consuelo Rodriguez ist solch eine Künstlerin. Sie ist sich bewußt, daß Worte wichtig sind, um eine Botschaft zu vermitteln, aber es sind gerade Bilder, die zu den Augen sprechen und direkt zum Gefühl führen. Einerseits ist sie ist sehr zart und "romantisch" in ihren Gedichten, andererseits stark, prägnant und instinktiv in ihren Bildern. Unter dem Titel "Nicht ohne Dich" präsentiert Rodriguez einen Rückblick, in dem sie etwa dreißig Kunstwerke der letzten Jahre ausgewählt hat, die Einblicke bieten, Fenster zur inneren Welt, visuelle Erzählungen zur Reflexion über das Dasein und die Relevanz von Begegnungen. Die Wahl der Farbinstrumente (Sand, Eisen und Quarzsand, Vulkanstaub aus dem Ätna und verschiedene Acrylfarben und Pigmente) antizipiert bereits die expressive Sprache ihrer Malerei: stark, gestisch und prägnant durch den Spachtelauftrag verschiedener Farbschichten auf einer essentiellen Farbskala, die Rot, Ocker, grau und blau bevorzugt. Dargestellt werden immer Männer und Frauen ohne Konnotationen mit statuenhafter Plastizität, die im Feld der Leinwand schweben, als wollten sie die Grenze überschreiten: Die Figuren werden durch die Farben umrissen, und das scheinbare Fehlen einer Skizze verleiht jene traumhafte Atmosphäre, die die Erkennbarkeit den subtilen emotionalen Anspielungen anvertraut, die aus der lyrischen Inspiration der Künstlerin entstehen. Die Linie wirkt immer melodisch, auch wenn Rodriguez manchmal mit Kreidekonturen in ihre Sujets eingreift, um die emotionale Intensität hervorzuheben. Niemals wird auf Objekte verwiesen, die an den Alltag erinnern können: Die Szene wird ausschließlich Körpern anvertraut, die sich schwerelos in einem zeitlosen Raum bewegen, mit einer Vitalität, die in einer perfekten Komposition der Flächen und in einer klugen Dosierung von Hell und Dunkel zu einem anregenden Spiel wird. Die Aufmerksamkeit der Künstlerin richtet sich nicht auf Details, geschweige denn auf Wahrhaftigkeit: Sie konzentriert sich auf die malerische Geste selbst, auf das Eindringen in die Leinwand auf der Suche nach Erinnerungen, das Ausbalancieren von Suggestion und Erzählung, das sich im Zeichenrhythmus offenbart, der Figuren aus dem Hintergrund erzeugt und Gestalt annimmt um sich selbst in Frage zu stellen.

In einer Gesellschaft (der so genannten Moderne), die sich auf einem Kollisionskurs befindet, weil sie auf der verzerrten Anwendung von Rationalität basiert, transformiert Consuelo Rodriguez den Gedanken in eine malerische Geste, indem sie Traumbilder schafft, Reflexions-Projektionen, Eindrücke der Teilhabe, die die Horizontlinie vorwärts bewegen, Subjekt und Objekt sowie Denken und Handeln trennen:

Sie erkennt im Mysterium und in der Sinnlichkeit die Rolle der zuverlässigen Wegzehrung, um sich dem gewundenen Weg der Sensibilität zu stellen, indem sie neue Türen erforscht, die sich auf innere Welten und verschiedene Pfade öffnen, die zur Begegnung zwischen Seelen führen, die Oberflächlichkeit und Trivialisierung ablehnen. Natürlich erscheint Rodriguez beunruhigt, teils auf intellektueller, teils auf emotionaler Ebene, aber ihre Kunst erweckt die Darstellungen der Körper, die zu einem Traum werden, wieder zum Leben, wo sich die Seele vom Physischen zu lösen scheint, indem sie die Möglichkeit vorstellt, dass es dieses "Doppel" gibt, dieses Doppelte von uns, das ein anderes Leben führt als das des Körpers, und uns daran erinnert, dass es unmöglich ist, die Welt in Subjekte und Objekte zu zerlegen, so wie es unmöglich scheint, zu deterministischen Beschreibungen der Sensibilität zu gelangen. In den letzten Monaten, nach einer Reise nach Deutschland, fügt Rodriguez Gold zu ihrer klassischen Palette hinzu und kehrt die Proportion ihrer Werke um, die die vertikale Präferenz für den horizontalen Ansatz aufgeben: eine zusätzliche Öffnung, eine erweiterte Sichtweise (unterstrichen durch rote Stränge) mit neuen Ebenen des Bruchs mit Einschränkungen, welche ihren Lebenserfahrungen eine Vision gibt, wo die Spannung zwischen Sein und Dasein zu einem Treffpunkt, aber auch zu einem Konflikt zwischen zwei Polen wird. Zeichen und Kolorit, die schöpferische Ausdruckskraft bleibt ein Treffpunkt zwischen den Seelen, ein innerer Weg, der von metamorpher Weiblichkeit ausgeht und frei ist in der Anerkennung von Liebe und Liebenden, von spirituellen Boten und Meistern des Lebens, manchmal bezaubernd, manchmal streng, aber immer grundlegend, um dann  auszurufen -  Nicht ohne dich! - daher der Titel der Ausstellung. 

Franco Rosso 

Dezember 2013

Eine starke, dichte, leidenschaftliche Malerei ist das Prinzip ihrer Bildsprache.  

Schon in jungen Jahren begann eine innere Entdeckungsreise, die es Consuelo Rodríguez ermöglichte, eine Sprache des Denkens und Erlebens zu entwickeln, die das ruhige und meditierte geschriebene Wort mit den intuitiven Gesten der Malerei verbindet.
Die Farbe ist das unverwechselbare Zeichen ihrer Werke, die in übereinander liegenden Schichten verteilt sind, mit breitem Spachtel aufgetragen, mit einer Farbwahl, die allmählich von behaglichen Brauntönen zu Blautönen wie Himmelblau und dann zu Rosa übergehen, um zur Wärme und Sinnlichkeit von Rot zurückzukehren; diese Farbigkeit von beispielloser und tiefer Dichte verleiht Bildern wie La femme folle, 2007 oder Sensualità del diavolo, 2007 eine Bedeutung, die über das Sujet hinausgeht und uns in die Innenwelt von Consuelo Rodríguez versetzt. 

Consuelo bearbeitet die Leinwand, als wäre es ihre Gedächtnis, gräbt in die Tiefe ihres Egos, um die Wurzeln ihrer eigenen Emotionalität zu finden, auf der Suche nach Erinnerung. Auf diese Weise nehmen die Figuren aus diesen magmatischen und körperreichen Hintergründen kaum Form an, Erscheinungen aus einem anderen, nie vergessenen, ungewissen und rauchigen Umfeld auf den ersten Blick, aber immer deutlicher, wenn die Künstlerin direkt um sie herum mit schwarzer Holzkohle eingreift, um die Intensität der Emotionen noch mehr zu betonen.  

Es sind Momente der intimen Teilhabe, in denen die Figuren in einem schwebenden Augenblick festgehalten erscheinen auf das Urteil wartend (Conoscersi quanto, 2006; Il sospetto, 2007), oder Traumbilder und Wunschprojektionen wie bei Gli amanti, 2007, in denen das Gefühl der Verwicklung von Körper und Geist insgesamt noch mehr durch den spachtelhaften Auftrag von Karminrot unterstrichen wird. Männer und Frauen sind ohne Bedeutung, Boten einer imaginären Welt an der Grenze zwischen Leben und Tod, Überbringer universeller Botschaften auf der Grundlage tiefer Wahrheiten. 

Körper haben kein Gewicht, sie schweben in einem zeitlosen Raum, sie dehnen, drehen und leben.
Die Zeichen sind stark und manchmal heftig, aber die Bewegungen bleiben harmonisch, ruhig, als ob sich die Körper in einem Kontext ohne Schwerkraft bewegen würden. Es ist der Gedanke, der in einer malerischen Geste Gestalt annimmt. 

Wenn Consuelo Rodríguez dann den Kohleumriss von den Figuren entfernt und dem Gemälde erlaubt, ohne Grenzen und grafische Einschränkungen frei zu bleiben, dann gibt es den Wendepunkt, eine wichtige Veränderung, einen Schritt in Richtung bildlicher Reife.
Es ist das illusorische Spiel der Durchdringung der Ebenen, basierend auf einer starken und entscheidenden chromatischen Vision, die den neuen Kompositionen Dynamik und Bewegung verleiht, wie in Voluttà, 2007 oder Vento, 2007 oder La madre, 2007, das uns an einige Ansätze aus dem frühen 20. Jahrhundert erinnert und aus diesem Grund vielleicht das narrativste der in dieser Ausstellung gezeigten Bilder. 

In Fuga, 2007 ist vielleicht der Ankunftspunkt dieser neuen Phase in ihrer Malerei: die jetzt von allen Zwängen befreiten Körper scheinen in den Raum geworfen zu werden, ihre dynamische Ladung drängt sie aus den Grenzen der Leinwand, während der geschickte Einsatz von Licht und Dunkelheit der Komposition die richtige und ausgewogene Präsenz von vollen und leeren Räumen verleiht, der Körper der Frau, beleuchtet von dichten weißen Pinselstrichen, erscheint durch die Haut verformt, während der Mann in einer Schattenzone bleibt, scheinbar nach unten zu verschwinden, als eine Erinnerung, die immer weiter entfernt erscheint. Mehr braucht es nicht, jedes Element ist in Harmonie, nichts wird dem Zufall überlassen. Ein spannendes und faszinierendes Gemälde, das durch das geschickte Maß an Flächen, Massen und Licht besticht, das Consuelo Rodríguez erlaubt, die richtige bildnerische Balance zwischen Erzählung und Suggestion zu finden. 

Der Tanz/unser Tanz/zwischen Leben und Tod/wir so in der Balance/zwischen Gefängnissen aus Eis und feurigen Toren..... 

So werden einige Verse eines neuen Gedichts, die gleichzeitig mit den letzten malerischen Arbeiten geboren wurden, zum Siegel der unauflöslichen Verbindung zwischen Denken und Handeln.  

Federica Luser

September 2007